Compravendita Antiquariale

In questo dipinto di scuola francese, dal tono lezioso e giocoso, ma madre si accosta amorevolmente al figlio intento a soffiare una bolla di sapone. Numerosi sono i dettagli del dipinto che rimandano al panorama della pittura accademica francese a cavallo tra Settecento e Ottocento. Le ricche ed opulente vesti della donna, così come il grazioso ombrellino in pizzo rosa, ricordano gli elaborati costumi delle partecipanti alle feste campestri di Watteau mentre la natura morta alla destra del dipinto pare ricollegarsi ad alcuni modelli di Chardin e Fragonard. A richiamare l’attività pittorica di Chardin è anche l’iconografia del dipinto, che pare riprendere Le Bolle di sapone, del LACMA di Los Angeles. Nel dipinto di Chardin, da un bicchiere di acqua saponata, un giovane soffia una bolla. La sua superficie iridescente e traslucida catturata alla luce del sole.

Il soggetto del soffio della bolla, diffuso a nord delle alpi già nel Seicento, era fautore di un messaggio moralizzante sulla transitorietà della vita; tuttavia, la tela di Chardin e le opere che, sulla sua scorda, affrontano il tema in questi termini, spostano il registro dalle allegorie alla quotidianità. L’interpretazione di Chardin del tema del soffio della bolla è spesso ripresa dagli artisti francesi dell’Ottocento, così come risulta visibile anche per quanto concerne il Ragazzo che soffia bolle di sapone di Manet del Museu Calouste-Gulbenkian di Lisbona.

Questo piccolo quadretto di scuola veneta raffigura l’incontro fra diverse divinità con protagonista il dio Bacco, intento a ‘’versare’’ un calice di vino ad una figura femminile seduta su alcuni fasci di grano. Quest’ultima va identificata con Cerere, la dea tutelare dell’agricoltura, spesso rappresentata in compagnia del dio della vendemmia per ovvie connessioni legate alla vita e al lavoro nei campi. Bacco, riconoscibile dal tirso, dalla corona di vite e dal grappolo d’uva che spreme in maniera così plateale e ostentata al fine di riempiere il calice di Cerere, si pone al centro di questa scena campestre, attorniato da altre figure mitologiche che guardano lo spettatore quasi volessero invitarlo a unirsi alla loro piccola cerimonia. La prima sulla sinistra va identificata con Flora, divinità della primavera, data la grande quantità di fiori che la circonda; a seguire troviamo un’altra donna, seduta in basso a destra mentre regge una cornucopia da cui fuoriesce un fiume di frutti, simbolo di abbondanza agricola solitamente associato alla dea Opi; infine, dietro le quinte troviamo un fauno che porta un cesto di funghi ai convitati. La scena contrappone la dinamicità dei due personaggi maschili alle pose più statiche di quelli femminili, mentre lo sfondo si divide fra le fronde del bosco e uno scorcio di colline su cui svettano due edifici riconducibili a castelli. Pregevoli i particolari dei fiori, dei funghi, dei frutti e in generale degli elementi naturali che sono trattati con una pennellata densa e dai colori vivaci, mentre i volti delle figure in primo piano mostrano un’espressività spontanea, serena e, nel caso di Bacco, giocosa. Quest’ultimo insieme a Cerere emerge per la sinuosità data dalle linee del corpo su cui ricadono le vesti e accentuata dalla posa quasi teatrale.

L’oggetto è in buono stato di conservazione

Giunta la morte della consorte Sara, Abramo decide di cercare moglie al figlio Isacco. Pertanto, manda il suo servo Eliezer in Mesopotamia, la loro terra di origine, in cerca di una giovane da dargli in sposa che avesse le loro stesse radici. Durante una sosta al pozzo della città di Arran, Eliezer incontra una giovane di nome Rebecca che non esita ad offrirgli acqua dalla sua anfora. Il servo di Abramo capisce che quella è la fanciulla mandata dal Signore e offre a lei dei gioielli come pegno del matrimonio con Isacco.

Il dipinto in esame inscena il racconto biblico (Genesi 22,23) all’ombra delle fronde di un albero. Collocata al centro della tela è dunque Rebecca, abbigliata con una lunga veste azzurra e da un drappo color malva, mentre poggia la sua anfora sul bordo del pozzo. In secondo piano comprare un’altra donna che assiste incuriosita alla scena, indugiando probabilmente su Eliazer che non figura però nel dipinto.

Le movenze eleganti della figura con la testa delicatamente piegata, la resa degli incarnati, la setosità del colore, la preziosità della gamma cromatica rendono plausibile collocare il dipinto nell’ambito della pittura emiliana.

L’Allegoria della Saggezza e della Forza è un dipinto realizzato nel 1565 a Venezia, da Paolo Veronese ed attualmente conservato presso la Frick Collection di New York. L’Allegoria della Saggezza e della Forza e l’Allegoria della Virtù e del Vizio hanno attraversato le stesse vicende sin dal momento della loro realizzazione, passando per numerosi possidenti e collezioni. A causa di ciò, diversi studiosi hanno ipotizzato che Veronese abbia dipinto le tele in coppia. Nel 1970, Edgar Munhall fu il primo a suggerire che fossero state semplicemente portate a termine nello stesso periodo, ma che non si trattasse di un pendant. Gli studi condotti dagli esperti del Metropolitan Museum of Art negli anni Duemila hanno confermato questa tesi: gli studiosi hanno scoperto che l’artista utilizzò materiali differenti per il supporto di ciascun dipinto, adottò una diversa composizione dei motivi e un’altrettanto diversa metodologia nell’elaborazione del cielo. Queste discrepanze condussero gli studiosi a credere che i dipinti furono concepiti individualmente, come lavori indipendenti l’uno dall’altro. Inoltre, la conclusione fu sostenuta dall’analisi visuale delle due tele nel complesso: si percepisce chiaramente che non si completano vicendevolmente, come sarebbe stato se si fosse trattato di una coppia di dipinti). Dalla sua creazione a Venezia nella seconda metà del XVI secolo, quest’opera è stata di proprietà dell’imperatore Rodolfo II d’Asburgo, della regina Cristina di Svezia, della famiglia Odescalchi; quindi ha fatto parte della Collezione Orleans di Filippo II di Borbone-Orléans e successivamente è appartenuta a svariati proprietari inglesi e commercianti d’arte, fino ad arrivare alla Frick Collection a New York. Il dipinto, dalle dimensioni monumentali, reca un soggetto di natura allegorica: sono rappresentati, infatti, la personificazione della Saggezza a sinistra ed Ercole, che sta a simboleggiare la Forza e le preoccupazioni terrene sulla destra. Il conflitto tra questioni divine e mortali è un tema centrale dell’opera. Nella scena, la virtuosità della divina Saggezza appare trionfare sui desideri terreni di Ercole: infatti, la donna, il cui sguardo è rivolto al cielo, è inondata dalla luce e sembra quasi sia catturata in un momento di elevazione; al contrario la figura di Ercole, che guarda in basso, in direzione dei gioielli che si trovano a terra, tende ad assumere una posizione discendente ed è avvolto da un’ombra cupa. Il genere allegorico risulta inusuale sia rispetto alle celebri tele dai soggetti storici e biblici del Veronese, sia in confronto con altre opere meno formali di altri artisti veneziani del Rinascimento come Giorgione o Tiziano. Quest’opera, insieme all’Allegoria del Vizio e della Virtù, si ritiene sia tra le prime di tale genere compiute dal Caliari.

Del dipinto esistono varie copie coeve o di poco successive, che ne testimoniano la sua enorme fortuna visiva in ambito veneziano: la particolarità e l’inusualità di questa iconografia ha certamente catalizzato l’attenzione del ramificato gruppo di figure che si muoveva attorno al pittore Paolo Veronese, che fu in grado di costruire attorno a sé una popolata e laboriosa bottega.

L’oggetto è in buono stato di conservazione

L’arredo in esame costituisce una poltrona di chiara manifattura piemontese, in legno dorato e tessuto turchese con ricami floreali, riferibile alla fine del XVIII secolo, periodo contraddistinto dal cosiddetto stile Direttorio.

Il nome dello stile rimanda al Direttorio, il governo che perdurò per quattro anni in Francia, dal 1795 al 1799, dopo la Rivoluzione Francese e prima dell’impero di Napoleone. Lo stile Direttorio si proponeva di riprendere ancora più fedelmente i modelli antichi, sia in campo architettonico che decorativo, un concetto che raggiungerà una sua piena maturità poi solo con l’impero. è in questi anni che si sviluppa il gusto per un passato classico, dovuto anche in parte alla scoperta di Ercolano e Pompei, arrivando ad avere una vera e propria passione per il gusto ispirato ai modelli romani e greci.

I mobili stile Direttorio si distinguevano per il pregio e la rarità, divenendo nel tempo molto quotati sul mercato. Riconoscibili per le forme semplici e raffinate, i legni chiari, e talvolta per le applicazioni in metallo, i motivi decorativi erano eleganti e richiamavano l’antichità: sfingi, palme, anfore, cigni, motivi geometrici e colonne antiche, ravvisabili nelle gambe della coppia in esame, rastremate e scanalate verso il basso, terminanti con un puntale diritto.

Le poltrone di questo periodo si caratterizzavano per la seduta ampia e confortevole, per le forme semplici e rettilinee, con schienali dalle fogge regolari (ovali, rettangolari, a scudo o a medaglione). Gli schienali, in questo caso imbottiti e decorati da un prezioso tessuto finemente ricamati con motivi fitoformi, venivano concepiti per accogliere l’ospite e sostenerlo in maniera confortevole, obiettivo a cui concorreva anche il posizionamento dei braccioli, anch’essi imbottiti.

Nello specifico, in Piemonte le poltrone venivano realizzate in conformità ai modelli francesi, solitamente in legno laccato o dorato. Particolarmente apprezzate dalla nobiltà dell’epoca, queste poltrone costituivano un’importante componente dell’arredamento per la creazione di un ambiente elegante e accogliente, dove poter mostrare la propria ricchezza e il proprio status symbol.

L’oggetto è in buono stato di conservazione

I due vasi in porcellana, a forma di anfora, con manici, sono da associare  alla bottega di Bloch, attiva nella cittadina di Eichwald in Austria: i due vasi, per la presenza del marchio a forma di arnia di colore verde-azzurro sono da collocare cronologicamente alla seconda metà del XIX secolo.

Sono decorati su tutti i lati con scene di carattere epico e mitologico fra cui si distinguono fra le altre le Tre Grazie, la Primavera, l’Estate e Cupido.

L’oggetto è in buono stato di conservazione

Il manufatto in esame rappresenta una valigia da trasporto detta “Norimberga” o “corsara” in ferro battuto, tagliato, inciso e dipinto, riferibile alla manifattura tedesca del XVII secolo. Realizzati nella città tedesca di Norimberga, città rinomata proprio per la sua lavorazione del ferro e dell’acciaio sin dal Medioevo, questi forzieri si caratterizzavano per una costruzione molto robusta, spesso in ferro battuto come nel caso in esame, e da decorazioni particolarmente elaborate ed intricate, che includevano incisioni, trafori e smaltature.

Utilizzate per conservare oggetti preziosi, come denaro, gioielli e documenti nei lunghi viaggi, queste valigie venivano spesso dotati di serrature complesse, per proteggere il loro contenuto da ladri. Oggi sono considerate veri e propri oggetti d’antiquariato pregiati e ricercati dai collezionisti.

La valigia qui presentata mostra un’entrata con falsa serratura sul fronte e il coperchio che si apre con due bottoni a pressione. I lati sono dotati di maniglie in ferro, mentre il retro del vassoio è decorato con un meccanismo di chiusura a complicazione.

L’oggetto è in buono stato di conservazione

Le consolle Luigi XV sono veri e propri gioielli dell’arredamento d’epoca, apprezzate per la loro raffinatezza e la maestria artigianale con cui vengono realizzate. Caratterizzate da linee curve, intagli elaborati e un’abbondante decorazione, questi arredi rappresentano l’apice dell’eleganza del XVIII secolo.

Lo stile Luigi XV, che prende il nome dal re di Francia Luigi XV, fiorì nel XVIII secolo e rappresenta l’apice del movimento Rococò. Questo periodo storico fu caratterizzato da una ricerca della bellezza e dell’armonia, con un’attenzione particolare alle forme naturali e alle decorazioni elaborate. A differenza degli stili precedenti, caratterizzati da linee rette e simmetriche, lo stile Luigi XV si contraddistingue per l’uso di curve morbide e sinuose che richiamano le forme della natura. Le superfici dei mobili sono riccamente decorate con intagli che rappresentano motivi floreali, fogliacei, conchiglie e figure mitologiche.

L’oggetto è in buono stato di conservazione